Performing Testimony, Grief and Resistance

Seminar Performing Knowledge bei Prof. Diana Sirianni, Hochschule für Bildende Künste Braunschweig, Januar 2026

  • Through critical questions around visibility, dehumanization and exclusion, the seminar explores what forms of knowledge are needed in times of ongoing genocidal violence, and how knowledge might be performed as testimony to crimes, as a space for collective grief, and as a practice of resistance. Drawing on film, images, texts and performative exercises, it examines the ethical burden of witnessing, the criminalization of mourning, and the role of embodied practices in opposing erasure and cultivating solidarity.

Disobedient Memory

Abdrift ins Autoritäre, oder Kunsthochschulen als Orte der Kritik, Allianz für Kritische und Solidarische Wissenschaft, Universität der Künste Berlin, November 2025

  • Palestinian history is overwritten, distorted, and erased within German memory culture. Orientalist image politics depict Palestinians as threats. How can one exist beyond this violent imagery? My film Speak Image, Speak practices looking back at violent images as a refusal to be limited by fixing gazes (Frantz Fanon). As images are reframed, questioned, recontextualized, and counter-narrated, film becomes a tool for disobedient collective memory, challenging consolidated politics of degradation and dehumanization.

Unruly Witness

Berliner Programm für  Künstlerische Forschung, Oktober 2025

  • “Unruly Witness” explores what it means to bear witness in a time of genocidal violence, exile, image saturation and political erasure. Developed in the context of an artistic research fellowship, the lecture weaves theoretical perspectives (including Saidiya Hartman, Edward Said, Noura Erakat and Adorno) with artistic practice to examine the colonial and orientalist gaze, exclusion from archives, the criminalization of grief, and the ethical burden of images. At its core lies the search for a form of “unruly” witnessing—one that resists normalization and disappearance, and articulates a disobedient visual counter-memory of Palestinian past and present in Germany.

Sprich Bild, Sprich

Künstlerinnenprogramm Film/Video der Stadt Berlin, Arsenal, Silent Green, Oktober 2025

  • Palästinensische Geschichte wurde jahrzehntelang überschrieben, verzerrt und ausgelöscht. Meine Suche nach den Spuren dieser Geschichte führte mich ins Bundesarchiv. Eine der Aufnahmen hat sich mir eingeprägt: ein maskierter palästinensischer Attentäter bei den Olympischen Spielen 1972. Vor dem Hintergrund der strengen Architektur des Olympischen Dorfes wirkt das Bild wie eine Szene aus einem Science-Fiction-Film. Die Gesichtslosigkeit macht die Figur zu einer Abstraktion des absolut Bösen und der Gewalt. Dieses Bild wurde zu einem wiederkehrenden Motiv im öffentlich-rechtlichen Fernsehen, mit dem Palästinenser*innen als Terrorist*innen gebrandmarkt wurden. Der Film nimmt dieses grobkörnige Bild als Ausgangspunkt, um die gewaltsame Bildpolitik, der die Figur des Palästinensers ausgesetzt ist, mit einem „oppositionellen Blick“ zu unterminieren. Um Ngũgĩ wa Thiong’o zu zitieren: Wie können wir „uns selbst klar sehen“, wenn die vorherrschende visuelle Repräsentation den kollektiven und individuellen Körper verzerrt? Wie kann man Bildern entgegenwirken, die die Entmenschlichung ermöglicht haben? Überlebende der Nakba und des Genozids, diejenigen die Überwachung und Verfolgung ausgesetzt sind, blicken auf die Bilder, die sie repräsentieren. Sie lenken unseren Blick auf die Flammen, in denen sie ihre eigenen Archive und Dokumentationen gelebten Widerstands verbrennen mussten. Der Film spürt den kollektiven und individuellen Wunden und Verletzungen, die durch staatliche Gewalt verursacht wurden, nach.

Grausame Bilder. Zeugenschaft und Reparation

Johannes Gutenberg Universität Mainz, Abt. Filmwissenschaften, Sommersemester 2024

  • "When we show you pictures of napalm injuries, you will close your eyes. You will close your eyes to the images, then you will close your eyes to the memory, then you will close your eyes to the facts", said Harun Farocki in his 1969 film "Unquenchable Fire".

    Colonial (image) archives are characterized by omissions, gaps and erasures. The testimonies of those who were subjected to colonial violence are mostly missing. Saidiya Hartman asks in her essay "Venus in two acts" (2008): How can that which has not been documented be told? Even if today images of violence, crime, and genocide under international law are broadcast via social media, the question of the impact of the images remains. Which images trigger empathy for the "suffering of others" (Sontag 2003)? And how do "cruel images" (Toukan 2019) impact those who are themselves affected by the violence of the images?

    ​In the seminar, we will deal with questions about cruel images, gaze regimes and image politics. Concepts of imperial gaze (Pratt 1992; Kaplan 2012), oriental gaze (Said 1975), and white gaze (Fanon 1952) are used to decipher and question images. What constitutes a genocidal gaze (Baer 2022)? To what extent do dehumanizing image politics enable violence? We also question narrative and visual techniques of witnessing and looking back. To what extent can film not only enable witnessing, but also rehumanization and reparation?

Berlin. City of Erased Past and Present: The Palestinian Case

A seminar by Dr. Nahed Samour and Pary El-Qalqili, University Arts of Berlin / Fairhaven College of Interdisciplinary Studies, Western Washington University, November 2023

  • The seminar explores the figure of the Palestinian in Germany's past and present. Looking at a variety of spaces, disciplines and legal cases, the figure of the Palestinian emerges as one that irritates Germany's master narrative of how it has overcome its genocidal past and has invested in a liberal order, in which memory is first negated and then globally marketed. The seminar investigates how Palestinians archive, narrate and make visible their presence despite Germany's discomfort with their existence as a community demanding rights.

    Part of "Mapping Memory: Territories of memory culture in the Global North and South, Institute Art in Context.

MUTTER! 

Universität der Künste Berlin, Sommersemester 2023

  • In Helke Sanders Kurzfilm „Aus Berichten der Wach- und Patrouillendienste“ (1984/85) wird die Figur der alleinerziehenden Mutter als widerständiges Subjekt inszeniert: Mit ihren zwei Kindern klettert sie einen Baukran hoch und droht hinunter zu springen, wenn sie bis abends keine bezahlbare Wohnung gefunden hat. Nicht nur auf dem Wohnungsmarkt, sondern auch im Kunstbetrieb sind alleinerziehende Mütter von Ausschlüssen betroffen. Zu der strukturellen Benachteiligung von Künstler:innen aufgrund von gender, race und/oder class und dem Gender Pay Gap kommt die Marginalisierung aufgrund von unbezahlter Care- und Reproduktionsarbeit hinzu.

    Während kanonische Prozesse in der Kunstgeschichte die Repräsentation von Weiblichkeit auf Figuren wie „Jungfrau/Hure“ oder „Mutter“ limitierten, wurde durch die Verschränkung kapitalistischer Produktionsverhältnisse, kolonialer und patriarchaler Strukturen die Festschreibung von Weiblichkeit produziert und reguliert. Feministische Künstler:innen insbesondere der 1960/70er Jahre dekonstruierten die soziale, sexuelle und psychische Konstruktion von Weiblichkeit und Mutterschaft. Sie entwarfen nicht nur Gegenbilder und Narrative, sondern auch Imaginationen sexueller Befreiung, sowie Umwerfungen gesellschaftlicher Machtverhältnisse.

    In dem Seminar untersuchen wir sowohl traditionelle Ikonographien von Weiblichkeit, als auch feministische Visualität Schwarzer, anti- und dekolonialer (Nicht-) Mutterschaft, sowie queere künstlerische Produktionen zu Elternschaft. Das Seminar fokussiert künstlerische Produktionen aus dem Bereich Performance Art, Videokunst und Film. Literarische und theoretische Texte, die kapitalistische Produktionsverhältnisse, koloniale und patriarchale Strukturen in den Blick nehmen, feministische Kritik an unbezahlter Carearbeit, sowie Manifeste werden gelesen und diskutiert. Zeitgenössische feministische künstlerische Kollektive werden auf ihre Strategien, Methoden und Produktionsbedingungen hin geprüft.

Decolonizing Berlin with Edward Said: The Arts and the City

Barenboim Said Academy Berlin, Sommersemester 2023

  • It is high time to decolonize Berlin. Monuments that celebrate colonial history decorate its public spaces, while its streets still carry the names of German conquerors. Looted artifacts, human remains, and spiritual objects still fill the archives of some of the city’s museums and universities, a subject that has stirred decolonial discussions and the need for restitution and reparation. This semester, we will examine the traces of colonialism in Berlin and discuss how to decolonize this city – with the “help” of Edward Said. The principal questions that will guide us throughout the semester are: Who has „the permission to narrate“ (Edward Said 1984)? What role can the arts play in decolonizing our imagination as well as our own gaze? Said’s writings are crucial to understand how knowledge and power are intertwined, and they will provide the basis for our observations and discussions. We will read excerpts from|| his groundbreaking studies „Orientalism“ and „Culture and Imperialism“ as well as some of his essays and interviews. We will complement Said with the writings of Toni Morrison, Audre Lorde, bell hooks, and May Ayim.

    The seminar will also examine the works by artists and filmmakers who provide decolonial narratives and imaginings. We will go see Mona Hatoum’s exhibition at KINDL and David Boyd’s recent show at Martin Gropius Bau. We will visit initiatives such as Decolonize Berlin, EOTO e.V. and Forensic Architecture, and we will discuss the works of Elia Suleiman, Kamal Al Jafari, Alexandra Sophia Handal, Oraib Toukan, Larissa Sansour, Raeda Saadeh, Walid Raad, Rabih Mroué, and Emily Jacir.

Listening, Staging, Talking: Feminist Decolonial Cinematic Practice

A two-day workshop, filmArche Berlin, Spring 2023

  • The set of a film comes with a set of power relations. There is certain violence embedded in the axis between infront and behind the camera: Who is the one to be looked at? And who is the one looking through the eye of the camera? What is the dynamic between the one who is supposed to speak and perform and the one who is listening and gazing? How can we create a cinematic space that is not reproducing structures of violence and enforcing silences?

    The two-day workshop will allow the participants to decipher, name and question hierarchic, exploiting and dehumanizing cinematic situations. In a second step the participants will have the opportunity to explore cinematic strategies of listening, staging and talking that make an alternative cinematic encounter possible. More than that, the workshop enables the participants to examine their own cinematic practice and to envision new working methods.

    The course consists of three parts that combine theory, film and cinematic practice: reading (Black) feminist and decolonial texts, critical texts on ethnographic filmmaking and the violence of different forms of gazing (the male gaze, the white gaze, the genocidal gaze). Watching, analyzing and discussing cinematic strategies that intend to subvert power relations. Practical exercises that enable the participants to reflect on their own approach to a) „active listening“ b) staging a safe cinematic space, c) explore techniques that allow the other to speak freely.

    www.filmarche.de/events/workshop-listening-staging-talking

Decolonial Cinema

filmArche Berlin, Sommersemester 2022

  • Filmische Kanonisierungen verkürzen und vermitteln Wissen auf eine naturalisierende und autoritäre Weise. Im Seminar „Dekoloniales Kino“ hinterfragen wir Auslassungen und Lücken in einem solchen hegemonialen Verständnis aus der Perspektive des Third World Cinema, der L.A. Rebellion und des (Schwarzen) queeren feministischen Kinos. Die Entwicklung einer dekolonialen Filmgeschichte und -theorie ist verbunden mit einer kritischen Hinterfragung der Machtverhältnisse hinter der eigenen Filmpraxis (Erzählungen, Dramaturgien, Ästhetik usw.). Eine der zentralen Fragen des Seminars wäre, wie man den eigenen Blick und das eigene Begehren dekolonisieren kann.

    Neben dem Anschauen von Filmen werden wir uns mit Konzepten wie dem „männlichen Blick“ (Laura Mulvey), dem „weißen Blick“ (Frantz Fanon), dem „oppositionellen Blick“ (bell hooks) und dem „genozidalen Blick“ (Elizabeth R. Baer) beschäftigen, um degradierende und entmenschlichende Blickregime zu entschlüsseln und zu benennen. Die Reperspektivierung der Filmgeschichte wird begleitet von der Lektüre von Manifesten wie „Toward a Third Cinema“ (1969), „For an Imperfect Cinema“ (1969) und „The Aesthetics of Hunger“ (1965) oder Texten von Audre Lorde, bell hooks, Saidiya Hartman, Grada Kilomba, Ngũgĩ wa Thiong’o, Trinh T. Minh-ha, Gloría Anzaldúa, Kaja Silverman, Teresa de Lauretis und Julia Kristeva.

Feministische Dekoloniale Gesten und Ästhetik

Universität der Künste Berlin, Wintersemester 2021/22

  • "Life is not a (Western) drama of four or five acts. Sometimes it just drifts along; it may go on year after year without development, without climax, without definite beginning or endings." (Trinh T. Minh ha-1989: 143)

    „Die Insel dreht sich”, sagt Fatima Youssouf auf die letzte Frage des Interviewers für das „Archiv der Flucht”, das am HKW Oral-history Gespräche mit Menschen, die geflüchtet sind, versammelt. Sie entzieht sich damit der üblichen Heldengeschichte, verweigert Höhepunkt, Anfang, Mitte, Ende und unterläuft die "killer story", die sie ihrer Menschlichkeit berauben würde (Ursula K. Le Guin 1988).

    Betrachten wir die Gesprächssituation genauer stellen sich mehrere Fragen: Wie ist das Machtverhältnis zwischen Interviewer*innen und Befragten? Hört die Interviewer*in ihr Gegenüber? Wie ist das Bild gestaltet? Wie wird über die Montage verdichtet? Und inwiefern bleibt auch dieses Archiv in einer “kolonialen Matrix” (AnÍbal Quijano 2000) verhaftet und produziert „epistemische Gewalt“ (Gayatri Spivak 1988)? Postkoloniale Autor*innen haben aufgezeigt, dass der Versuch des marginalisierten Subjekts zu sprechen oft unmöglich ist (ebd. 1996). Gleichzeitig ist „Repräsentation als eine Praxis, die das Schweigen lesen möchte (…) beständig in Gefahr, selbst Schweigen zu produzieren“ (Maria do Mar Castro Varela/Nikita Dhawan 2007/2006; Dhawan 2005).

    Aus dieser Ambivalenz ergibt sich nicht nur die Frage wer spricht, schreibt und produziert? Sondern auch: Wie hören wir zu? Und welche ästhetische Form entwickeln wir um dem Schweigen unseres Gegenübers Raum zu geben und die unerzählten Geschichten zu erzählen? Walter Mignolo schlägt das Instrument der „dekolonialen Geste” vor um koloniale Wissensproduktion zu durchkreuzen (ebd. 2014). Rita Laura Segato ruft zu einem zeitgenössischen Feminismus auf, der dekoloniales Denken und eine Kritik am Patriarchat verschränkt (ebd. 2021).

    In dem Seminar fragen wir schließlich: Inwiefern können feministische dekoloniale Gesten für unsere eigene künstlerische Arbeit und Forschung fruchtbar sein? Welche ästhetische Formen, auditive, visuelle und narrative Strategien können wir entwickeln um kanonische Erzählweisen zu durchkreuzen, zu irritieren oder auch zu verlassen?

    Das Seminar kombiniert den Besuch des Archivs der Flucht, praktische Übungen des aktiven Zuhörens (u.a. Haytham El-Wadarny „How to disappear”), das Lesen und Diskutieren feministischer dekolonialer Texte (Rita Laura Segato, Maria Lugones, Donna Haraway, bell hooks, Gloria Anzaldùa, Toni Morrison, Trinh T. Minh-ha, Gayatri Spivak, Grada Kilomba) und das Sichten von Filmen, die patriarchale und koloniale Strukturen, sowie fixierende Blickregime (Fanon 1952) offenbaren.

Seeing ourselves clearly. Unseren Blick dekolonialisieren, die eigene Praxis überdenken

Universität der Künste Berlin, Wintersemester 2020/21

  • „Die Geschichte ist beharrlich, weil sie nicht vollständig ist“, sagt die Erzählerin aus dem Off in „The Notes of Anna Azzori / A Mirror that Travels through Time“ (Constanze Ruhm, 2020). Blicken wir mit diesen Worten im Ohr auf den Kanon des weißen feministischen Filmschaffens, ahnen wir, dass selbst diese Filmgeschichte von Leerstellen und Auslassungen geprägt ist.

    Die feministische Filmtheorie der 1970er Jahre fokussierte vor allen Dingen den „male gaze“ auf die weiße Frau und deren Darstellung als Objekt (Laura Mulvey, 1976). Auch die Redaktion der ersten Ausgabe von „Frau und Film“ (1/1974) richtete den Blick auf ausschließlich auf weiße Frauenfiguren, die „betrachtet, benutzt, von Männern dirigiert“ wurden. Erst bell hooks (Black Looks, 1994) stellte die hegemonialen Sichtverhältnisse in Frage und schlug neben Geschlecht auch Rasse und Klasse als Analysekategorien vor.

    Im Seminar sichten wir gemeinsam Filme der feministischen Filmpraxis und fragen nach (Un-) Sichtbarkeiten marginalisierter, queerer, Schwarzer, postmigrantischer Körper.

    Von welchen Bildern, filmischen Narrativen, Zuschreibungen und Stereotypen ist unser eigener Blick besetzt? Wie können wir unseren Blick dekolonialisieren und einen „oppositionellen Blick“ (bell hooks) produktiv machen? Was bedeutet es „uns selbst klar zu sehen“ (Ngugi wa Thiong’o, Decolonizing the Mind, 1981)?

    Welche narrativen Formen können wir entwickeln um nearby zu sprechen (Trinh T. Minh-Ha, Ressemblage, 1982)? Wie können wir die erlebten Brüche beim kritischen Hinsehen in narrative Strategien umwandeln, die jenseits von Linearität und klassischer Dramaturgie operieren? Wie können wir unsere eigene künstlerische Praxis überdenken?

To Unlearn Film Dramaturgy

Ringvorlesung: Politische Ästhetik, Johannes Gutenberg Universität Mainz, Sommersemester 2023, filmArche Berlin, März 2024

  • “To Unlearn Film Dramaturgy” reflects on the limits of classical narrative models when confronted with fragmented, silenced and marginalized life realities. Departing from the critique of linear dramaturgy and the dominance of Western storytelling conventions such as the hero’s journey, the lecture explores how experiences shaped by exile, dispossession, trauma and epistemic violence resist coherence, catharsis and narrative closure. Drawing on thinkers including Gayatri Spivak, Frantz Fanon, Trinh T. Minh-ha, Edward Said, Judith Butler and Julia Kristeva, it examines how voice, authorship and representation are shaped by structural exclusion and discursive violence. Through the process of making an autobiographically grounded film, the lecture proposes a practice of unlearning dramaturgical norms in favor of fragmented, poetic and embodied forms of narration that privilege ambiguity, silence and everyday gestures over explanation, and insists on developing narrative forms that do not seek recognition from dominant gazes but instead claim their own location, rhythm and authority.